Miguel Angel Ropero expone dos muestras pictóricas en el Ayuntamiento de Logroño Los murales muestran una "imagen clásica del vino" con escenas que describen situaciones de desinhibición, provocación, bullicio o seducción "como en los viejos tiempos", según recoge el catálogo de presentación de la muestra.

La sala de exposiciones del Ayuntamiento de Logroño acoge desde hoy dos exposiciones de pintura obra del autor Miguel Angel Ropero, que acumula una amplia trayectoria política en La Rioja. La primera de ellas, bajo el nombre de 'Bacanal', incluye cinco murales en torno al "vino y la bacanal". Con estas obras "pretendía hacer una revisión de la cultura del vino desde un punto de vista transgresor e irreverente", alejado de la proyección "institucional" y del "marketing" actual, en palabras del autor.

El propio Miguel Angel Ropero, acompañado por el acalde, Tomás Santos, y el concejal de Cultura, Carlos Navajas, ha explicado que 'Dos colecciones', título de la exposición, surge de su inquietud por la pintura, una vez ya retirado de la actividad política.

Los murales muestran una "imagen clásica del vino" con escenas que describen situaciones de desinhibición, provocación, bullicio o seducción "como en los viejos tiempos", según recoge el catálogo de presentación de la muestra.

En segundo lugar, la segunda colección, bajo el título de 'Encuentros', revela la visión del autor tras un "encuentro imposible" entre Vermeer de Delft y Edward Hooper.

Ambos conviven en "épocas históricas distintas", "separados por el océano" y en "culturas diferentes" y, sin embargo, comparten "tremendas afinidades".

El diálogo entre ambos pintores se prolonga a lo largo de 21 lienzos que suscitan la curiosidad de otros autores, caso de Velázquez, Goya, Seurat y Renoir, que aparecen de forma fugaz en las escenas pictóricas.

El "maestro de ceremonias" en la mayor parte de los casos corresponde a Woody Allen, uno de los "iconos" por los que Ropero mostró su admiración.

Este autor polifacético prepara su debut como novelista, al tiempo que también tiene previsto exponer en la sala Amós Salvador con una muestra "más amplia", cumpliendo un compromiso adquirido con el alcalde.

Noticia en la fuente original: http://www.larioja.com/20090429/local/region/rioja-miguel-angel-ropero-200904291349.html
Fotos: Liliana Lima

La web de la semana...

Les recomendamos esta semana visitar la recién estrenada web del pintor Juan Rencoret Establiet

http://rencoret.com/index.htm

Altamira seguirá cerrada por ahora

 El Patronato desaconseja "proponer un régimen de visita pública" pese a la mejoría de la cueva - Un grupo internacional estudiará la reapertura.
A unos bisontes que permanecieron en silencio alrededor de 15.000 años, no les importará seguir a oscuras uno más o lo que tarden los expertos internacionales en pronunciarse sobre sus visitas. Por peores vicisitudes han pasado. Cuando Marcelino Sáenz de Sautuola descubrió en 1879 aquella manada salvaje pintada en rojos, negros y ocres sobre el techo de una cueva en Santillana del Mar, la comunidad internacional le ninguneó. Eran tan perfectas que parecía increíble que hubiesen salido de la mano de unos ocupantes del Paleolítico Superior (40.000-10.000 a. C.) que no recibían lecciones de pintura en sus ratos libres.
Tuvieron que aparecer pinturas similares en una gruta francesa para que se aceptara la antigüedad de los murales de Altamira. Desde entonces la admiración arrastró a miles de visitantes hasta la cueva de Santillana del Mar, que se abrió por vez primera en 1917. Recibió visitas durante 70 años: !hasta 170.000 al año en los setenta! Y desde entonces su historia es un tira y afloja entre el afán de conservarla a ultranza y el deseo de exhibirla, que ha llevado a una sucesión de aperturas restringidas y cierres. Desde 2002 está vetado el acceso del público. Una réplica trata de saciar curiosidades. Hace unos meses, sin embargo, se vislumbró un cambio de tendencia.
En junio, el Patronato de Altamira se pronunció a favor de "establecer las condiciones de máxima accesibilidad que simultáneamente garanticen la sostenibilidad de la cueva". Los informes del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC) eran conservadores, esto es, contrarios a la apertura a pesar de constatar que la cueva ha evolucionado de forma positiva en los últimos años. En el otro extremo, el Gobierno cántabro, con su presidente, Miguel Ángel Revilla, a la cabeza. El tirón turístico de la Altamira real deja en pañales la atracción de una réplica.
Ayer, tras la reunión del Patronato, que finalmente se decantó por el criterio conservador y optó por dejar las cosas como están, Revilla se quejó. Lamentó que los científicos del CSIC no se hayan "mojado" y reiteró que el objetivo "político" es que la cueva se reabra "cuanto antes", informa Europa Press.
También la ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde, se mostró favorable a la reapertura, pero la última palabra será la de un grupo internacional de expertos, que incluirá representantes de la Unesco. Su trabajo complementará el realizado por el CSIC y podría durar entre 18 y 24 meses. Su composición se conocerá en la próxima reunión del Patronato, que de momento desaconseja "modificar las condiciones de accesibilidad" a la cueva y "proponer un régimen de visita pública". Así pues, los bisontes seguirán en silencio.
visite el articulo en su fuente original pinchando este texto

La pintura: una manera de ver la vida

Escrito por Mathías Arancibia Haugen Sorensen

viernes, 17 de diciembre de 2010

Arne Haugen Sorensen junto a Mathías Arancibia en el estudio del pintor. El artista danés, Arne Haugen Sorensen vive con su familia en Frigiliana desde hace 3 décadas. Es aquí donde ha criado a sus hijas y donde han nacido sus nietos, uno de ellos, Mathías, de 13 años, le entrevista para noticiasfrigiliana.com Noticiasfrigiliana (NF): En el año 1982 te instalaste en Frigiliana, ¿Qué te hizo tomar esa decisión?Arne Haugen Sorensen (AHS): Ha sido un viejo sueño. Cuando era muy joven, viví un par de años en Mallorca y después siempre soñé con volver a la península, para vivir y trabajar. Aquí en Frigiliana he encontrado el lugar donde me siento como en casa, me considero enormemente privilegiado y a diario me pregunto si un lugar así realmente existe. Cuando salgo de viaje, tengo miedo de que cuando vuelva todo haya desaparecido. NF: ¿Qué relación tienes con la gente del pueblo?AHS: Mi trabajo toma todo mi tiempo y por eso no me relaciono mucho con la gente, y lo siento, esto también me pasa en Dinamarca. Me gusta la gente del pueblo y su vida sencilla y trabajadora cerca de la naturaleza. NF: Tu afición a la pintura, ¿cómo comenzó?AHS: Desde siempre, cuando era niño, dibujaba y hacía cuadros, no ha sido difícil elegir esta profesión, aunque intenté con 32 diferentes trabajos antes de darme cuenta de que el arte era mi vida. Nadie en mi familia había pronunciado nunca la palabra “arte”, simplemente no existía en nuestro mundo. NF: En tu país eres un artista reconocido, ¿cómo obtuviste la fama?AHS: Pintando, pintando y pintando, y haciendo exposiciones públicas, entonces poco a poco tu fama aumenta. NF: ¿Cuál consideras que es tu mejor cuadro?AHS: Eso es difícil de decir, yo no tengo un cuadro preferido, sino muchos preferidos. Los que me han dado más dificultades al realizarlos, tal vez les tenga más cariño. Es como con un hijo que tiene problemas. NF: ¿Has expuesto en muchos países?AHS: Si, he expuesto en muchos países como Dinamarca, Noruega, Suecia, Francia, Alemania, Italia, USA, Holanda, etc…y en España, Málaga, Córdoba, Jaén, Granada y Las Palmas de Gran Canarias. NF: ¿Qué intentas transmitir a través de tu pintura?AHS: La pintura es mi forma de relacionarme con la vida, pienso que la condición humana, vivir, morir, amar, etc. es una manera existencial de ver la vida. NF: ¿Has trabajado con otros medios artísticos aparte de la pintura?AHS: Si, he hecho esculturas, mosaicos, obras gráficas, y también he escrito un libro. NF: Viviste en Montmartre (París), háblame de esa épocaAHS: Cuando era joven, fue un periodo muy fértil. Picasso y muchos otros de los grandes pintores vivieron en ese tiempo. Francia fue un país muy significativo artísticamente y tuve la suerte de vivir ahí durante 8 años y conocer a muchos artistas muy influyentes para mi trabajo. También aprendí francés, cada idioma es un nuevo mundo que se abre. NF: Nos aproximamos al año nuevo, ¿qué esperas del 2011? AHS: Estoy muy contento con mi vida, pero espero que todo vaya bien para todo el mundo, y que se solucione la crisis.

Victor Molev

Nació en Nizhniy Novgorod (Russia) en 1955. Arquitecto de formación y pintor de vocación nos ilustra con sus grotescas formas, dobles imágenes en toda su creación.

 

Sus retratos son conocidos por la excepcional materialización, recreando detalles con gran fidelidad mediante un simbolismo que recoge la esencia del sujeto con gran acierto.

Las imágenes se funden en la distancia dando paso a una segunda interpretación de los elementos que la componen, como en su autoretrato, cuya ampliación nos abre un nuevo mundo perceptivo.

No dejeis de visitar sus páginas llenas de arte, que ha sido secuestrado en innumerables ocasiones para componer secuencias de alto valor.

La web de la semana...

Desde DELARRARTE recomendamos hoy dar un paseo por el blog del diseñador  Raúl Royo


http://royografico.blogspot.com/

Monotipia

Creada en 1887, la monotipia es una variedad de impresión única; sólo sale una buena reproducción de cada lámina. El artista dibuja sobre cualquier superficie lisa, utilizando óleo, acuarela o tinta. Por lo general se emplea el vidrio, pero también es válida una lámina de cobre pulido o la porcelana. Se puede crear la imagen pintándola sencillamente sobre la superficie de la lámina o mediante un proceso de inversión, consiste en cubrir la plancha con una fina capa de pigmentos e irlos eliminando con los dedos o con un pincel hasta formar la imagen. A continuación se aplica el papel sobre la lámina y la imagen quedará transferida, bien frotando el dorso del papel o utilizando una prensa de grabado al aguafuerte.

''Pinto porque no sé hacer otra cosa''

"Uso los mismos instrumentos: potingues, pelos y palos. En esencia, siento lo mismo que un romano de mi edad sentía o padecía" dice el pintor aragonés.

Pepe Cerdá, en un rincón del alma de su estudio. .OLIVER DUCH Pintor, ¡pinta y calla!
Pinto, pero no callo.

Pintor, ¡pinta y calla!
Ese es el título de un blog que tengo abierto desde hace seis años. Repito: pinto, pero no callo.

Sobre los pintores suelen hablar los demás, los críticos.
Incluso hay una carrera para explicar lo pintado, Historia del Arte. Yo tengo el vicio de preguntarme y responderme. Luego, lo escribo.

¿Cómo nace un pintor?
No me empeñé en serlo. Este oficio es vocación. Pinto de un modo natural, del mismo modo que los gusanos segregan seda, lenta e ininterrumpidamente. Así se aprenden las cosas importantes, los oficios de verdad, haciéndolos, queriéndolos, amándolos.

Hacer lo que uno quiere; querer lo que uno hace: parece lo mismo, pero no es igual.
Desde el siglo XIX se ha extendido la tendencia de la ‘titulitis’, todavía más devastadora en el siglo XX. Se ha subestimado al artesano, al artista de verdad, concediendo unos títulos universitarios que no valen para nada. Un título universitario no quiere decir que sepas pintar, escribir, diseñar, etcétera. Uno demuestra lo que es cuando plasma su capacidad, cuando es capaz de crear arte o de desarrollar una labor.

O sea, ¿un inútil con un título sigue siendo un inútil?
Por supuesto: tendrá un título, pero seguirá siendo un inútil.

Pero no me dirá que las orlas no quedan guapas en la pared.
No valen para nada. Lo que valen son las obras.

Usted es hijo de un artista.
En la España en que yo nací había un montón de profesionales que se dedicaban a la pintura. En Zaragoza, al menos 40 o 50 ilustradores, artistas que pintaban, que rotulaban, lo que ahora hacen los ordenadores copiando y pegando. Todos estos ilustradores, como los dibujantes de los tebeos, no existen para esa asignatura de la que antes hablábamos.

Historia del Arte.
Para los académicos, el artista es un ser atormentado que de vez en cuando desvaría y sorprende con un cuadro de difícil comprensión.

¿Se pinta por placer o necesidad?
Es algo importante, trascendente, vital. El primer hombre que existió y del que tenemos constancia, lo fue porque fue capaz de figurarlo: fijarse, acordarse y llegar a la cueva en la que moraba y pintarlo. Es una actividad esencial en el ser humano, como escribir o hablar. Miles de años después, yo me dedico a lo mismo que ese homínido.

Pero se ha descrito una evolución en el tiempo.
Hay que precisar, relativizar esa afirmación.

Relativice.
Uso los mismos instrumentos: potingues, pelos y palos. En esencia, siento lo mismo que un romano de mi edad sentía o padecía.

¿Y el largo viaje del arte hacia la abstracción?
Son distintas formas, distintas etapas, de una misma emoción. Tampoco incido demasiado en esa cuestión. Me considero un pintor a secas, un pintor que pinta porque no sabe hacer otra cosa, una persona que intenta traducir con la ayuda de grasa coloreada cualquier cosa vista o soñada.

¿En serio pinta porque no se siente capaz para nada más?
Elegí uno de los escasos caminos en los
que no se aprecia mi ineptitud. Es un compromiso.

Su última exposición en La Lonja constituyó todo un éxito.
Fueron 60.000 personas en un solo mes. Esto es, una de las más visitadas de La Lonja. Antes, hace ya mucho tiempo, gané el Premio Nacional de Dibujo Joven. También residí en Madrid y en París.

Ahora disfruta de la calma de Villamayor.
Vivo en Villamayor, pero no en calma. La calma me produce terror, igual que la actividad genera estrés. Prefiero ser un recién llegado o estar a punto de marcharme. Por eso viajo tanto.

Acabo de leer su blog. Le veo muy crítico.
Sigo sin entender cómo puede gobernar este barco gente que no tiene ni idea de casi nada, dirigentes insustanciales, con tan poca capacidad de respuesta, con tan poca capacidad de tomar decisiones. Los periodistas también tienen la culpa, por no zurrar como deben.

La web de la semana...

El pasado 30 de noviembre durante la clausura de ARTEFACTO 2010 pudimos conocer  de manos de Cráneo Pro la web del Parrilla Rock, un espacio para revivir los conciertos del festival.

Recomendamos a los internautas pasen, reproduzcan y disfruten.la nueva web de Parrilla Rock

http://www.parrillarock.com/

Mario Vargas Llosa, Premio Nobel de Literatura

El autor de 'La fiesta del Chivo' es distinguido "por su cartografía de las estructuras del poder y sus mordaces imágenes sobre la resistencia, la revuelta y la derrota individual".- "Es una gran alegría que comparto con mis amigos", ha asegurado tras conocer la noticia 

Faltaban todavía unos segundos para la una de la tarde cuando Peter Englund, secretario de la Academia sueca, abrió la famosa puerta blanca de la sede académica y pronunció el nombre del escritor hispanoperuano Mario Vargas Llosa como nuevo galardonado con el premio más prestigioso de las letras universales. Lo dijo en varios idiomas y cerró "en castellano".

En declaraciones a EL PAÍS, el autor ha afirmado, tras conocer la noticia, que "es una gran alegría" que comparte "con tantos amigos". "Gracias a ustedes por felicitarme y por tenerme siempre cerca. Cuando nos llamaron, a Patricia [su esposa] le pareció que podía ser una broma", ha subrayado, según informa Juan Cruz. Para el autor, que se reconoció "muy conmovido y entusiasmado", el premio supone un "reconocimiento a la lengua española". El escritor también ha señalado, a W Radio Colombia, que es "un estímulo fantástico". "Creía que había sido completamente olvidado por la Academia, ni siquiera sabía que el premio se entregaba este mes", ha declarado Vargas Llosa en declaraciones a la agencia sueca TT.

Lea el artículo completo en: http://www.elpais.com/articulo/cultura/Mario/Vargas/Llosa/Premio/Nobel/Literatura/elpepucul/20101007elpepucul_3/Tes

 

Todos a pintar en Diciembre...

El aula de artes plásticas de la Gota de Leche tiene una interesante propuesta para el mes de Diciembre

A      P      U      N      T      A      T      E

A PINTAR CON MATERIALES DIFERENTES

(Click sobre la imagen para ampliarla)
MÁS INFO EN: http://info.lojoven.es/cultura-joven/aula-de-artes-plasticas
http://auladeartesplasticas.blogspot.com/

271 obras de Picasso estaban misteriosamente custodiadas por ex electricista del pintor

Al menos 271 obras de Pablo Picasso cuya existencia se desconocía estaban misteriosamente custodiadas por el ex electricista del pintor, cuyos herederos ya presentaron una denuncia por "apropiación indebida". 

Según el diario Liberation, las obras tienen un valor de al menos 60 millones de euros e incluyen una decena de collages cubistas estimados en unos 40 millones.

Desde hace más de 30 años los cuadros estaban en poder de Pierre Le Guennec, de 71 años, un electricista retirado que entre 1970 y 1973, año de la muerte de Picasso, trabajó en las distintas residencias del artista. 

Le Guennec, según Liberation, se dirigió varias veces al hijo del pintor, Claude Picasso, para obtener certificados de autenticidad de las obras en su poder. 

Los herederos del artista decidieron denunciar al hombre, que vive con su mujer en Mouans Sartoux, en el sur de Francia, y  la Oficina para la lucha contra el tráfico de bienes culturales le secuestró las obras y lo detuvo.

El ex electricista sostiene que todas las pinturas que tiene se las regalaron Picasso y su mujer. El hijo del artista, Claude, lo niega.

CACA DE ELEFANTE

Por MARIO VARGAS LLOSA


En Inglaterra, aunque usted no lo crea, todavía son posibles los escándalos artísticos. La muy respetable Royal Academy of the Arts, institución privada que se fundó en 1768 y que, en su galería de Mayfair suele presentar retrospectivas de grandes clásicos, o de modernos sacramentados por la crítica, protagoniza en estos días uno que hace las delicias de la prensa y de los filisteos que no pierden su tiempo en exposiciones. Pero, a ésta, gracias al escándalo, irán en masa, permitiendo de este modo -no hay bien que por mal no venga- que la pobre Royal Academy supere por algún tiempito más sus crónicos quebrantos económicos.

¿Fue con este objetivo en mente que organizó la muestra Sensación, con obras de jóvenes pintores y escultores británicos de la colección del publicista Charles Saatchi? Si fue así, bravo, éxito total. Es seguro que las masas acudirán a contemplar, aunque sea tapándose las narices, las obras del joven Chris Ofili, de 29 años, alumno del Royal College of Art, estrella de su generación según un crítico, que monta sus obras sobre bases de caca de elefante solidificada. No es por esta particularidad, sin embargo, por la que Chris Ofili ha llegado a los titulares de los tabloides, sino por su blasfema pieza Santa Virgen María, en la que la madre de Jesús aparece rodeada de fotos pornográficas.

No es este cuadro, sin embargo, el que ha generado más comentarios. El laurel se lo lleva el retrato de una famosa infanticida, Myra Hindley, que el astuto artista ha compuesto mediante la impostación de manos pueriles. Otra originalidad de la muestra resulta de la colaboración de Jack y Dinos Chapman; la obra se llama Aceleración Zygótica y, ¿cómo indica su título?, despliega a un abanico de niños andróginos cuyas caras son, en verdad, falos erectos. Ni qué decir que la infamante acusación de pedofilia ha sido proferida contra los inspirados autores.
Si la exposición es verdaderamente representativa de lo que estimula y preocupa a los jóvenes artistas en Gran Bretaña, hay que concluir que la obsesión genital encabeza su tabla de prioridades. Por ejemplo, Mat Collishaw ha perpetrado un óleo describiendo, en un primer plano gigante, el impacto de una bala en un cerebro humano; pero lo que el espectador ve, en realidad, es una vagina y una vulva. ¿Y qué decir del audaz ensamblador que ha atiborrado sus urnas de cristal con huesos humanos y, por lo visto, hasta residuos de un feto?

Lo notable del asunto no es que productos de esta catadura lleguen a deslizarse en las salas de exposiciones más ilustres, sino que haya gentes que todavía se sorprendan por ello. En lo que a mí se refiere, yo advertí que algo andaba podrido en el mundo del arte hace exactamente treinta y siete años, en París, cuando un buen amigo, escultor cubano, harto de que las galerías se negaran a exponer las espléndidas maderas que yo le veía trabajar de sol a sol en su chambre de bonne, decidió que el camino más seguro hacia el éxito en materia de arte, era llamar la atención. Y, dicho y hecho, produjo unas `esculturas' que consistían en pedazos de carne podrida, encerrados en cajas de vidrio, con moscas vivas revoloteando en torno. Unos parlantes aseguraban que el zumbido de las moscas resonara en todo el local como una amenaza terrífica. Triunfó, en efecto, pues hasta una estrella de la Radio-Televisión Francesa, Jean-Marie Drot, le dedicó un programa.

La más inesperada y truculenta consecuencia de la evolución del arte moderno y la miríada de experimentos que lo nutren es que ya no existe criterio objetivo alguno que permita calificar o descalificar una obra de arte, ni situarla dentro de una jerarquía, posibilidad que se fue eclipsando a partir de la revolución cubista y desapareció del todo con la no figuración. En la actualidad todo puede ser arte y nada lo es, según el soberano capricho de los espectadores, elevados, en razón del naufragio de todos los patrones estéticos, al nivel de árbitros y jueces que antaño detentaban sólo ciertos críticos.
El único criterio más o menos generalizado para las obras de arte en la actualidad no tiene nada de artístico; es el impuesto por un mercado intervenido y manipulado por mafias de galeristas y marchands y que de ninguna manera revela gustos y sensibilidades estéticas, sólo operaciones publicitarias, de relaciones públicas y en muchos casos simples atracos.

Hace más o menos un mes visité, por cuarta vez en mi vida (pero ésta será la última), la Bienal de Venecia. Estuve allí un par de horas, creo, y al salir advertí que a ni uno solo de todos los cuadros, esculturas y objetos que había visto, en la veintena de pabellones que recorrí, le hubiera abierto las puertas de mi casa, aunque me lo suplicaran de rodillas.
El espectáculo era tan aburrido, farsesco y desolador como la exposición de la Royal Academy, pero multiplicado por cien y con decenas de países representados en la patética mojiganga, donde, bajo la coartada de la modernidad, el experimento, la búsqueda de "nuevos medios de expresión", en verdad se documentaba la terrible orfandad de ideas, de cultura artística, de destreza artesanal, de autenticidad e integridad que caracteriza a buena parte del quehacer plástico en nuestros días.

Desde luego, hay excepciones. Pero, no es nada fácil dectectarlas, porque, a diferencia de lo que ocurre con la literatura, campo en el que todavía no se han desmoronado del todo los códigos estéticos que permiten identificar la originalidad, la novedad, el talento, la desenvoltura formal o la ramplonería y el fraude y donde existen aún -¿por cuánto tiempo más?- casas editoriales que mantienen unos criterios coherentes y de alto nivel, en el caso de la pintura es el sistema el que está podrido hasta los tuétanos, y muchas veces los artistas más dotados y auténticos no encuentran el camino del público por ser insobornables o simplemente ineptos para lidiar en la jungla deshonesta donde se deciden los éxitos y fracasos artísticos.

A pocas cuadras de la Royal Academy, en Trafalgar Square, en el pabellón moderno de la National Gallery, hay una pequeña exposición que debería ser obligatoria para todos los jóvenes de nuestros días que aspiran a pintar, esculpir, componer, escribir o filmar. Se llama Seurat y los bañistas y está dedicada al cuadro Los bañistas de Asniéres, uno de los dos más famosos que aquel artista pintó (el otro es Un domingo en La Grande Jatte), entre 1883 y 1884.
Aunque dedicó unos dos años de su vida a aquella extraordinaria tela, en los que, como se advierte en la muestra, hizo innumerables bocetos y estudios del conjunto y los detalles del cuadro, en verdad la exposición prueba que toda la vida de Seurat fue una lenta, terca, insomne, fanática preparación para llegar a alcanzar aquella perfección formal que plasmó en esas dos obras maestras.

En Los bañistas de Asniéres esa perfección nos maravilla -y, en cierto modo, abruma- en la quietud de las figuras que se asolean, bañan en el río, o contemplan el paisaje, bajo aquella luz cenital que parece estar disolviendo en brillos de espejismo el remoto puente, la locomotora que lo cruza y las chimeneas de Passy. Esa serenidad, ese equilibrio, esa armonía secreta entre el hombre y el agua, la nube y el velero, los atuendos y los remos, son, sí, la manifestación de un dominio absoluto del instrumento, del trazo de la línea y la administración de los colores, conquistado a través del esfuerzo; pero, todo ello denota también una concepción altísima, nobilísima, del arte de pintar, como fuente autosuficiente de placer y como realización del espíritu, que encuentra en su propio hacer la mejor recompensa, una vocación que en su ejercicio se justifica y ensalza. Cuando terminó este cuadro, Seurat tenía apenas 24 años, es decir, la edad promedio de esos jóvenes estridentes de la muestra Sensación de la Royal Academy; sólo vivió seis más. Su obra, brevísima, es uno de los faros artísticos del siglo XIX.
La admiración que ella nos despierta no deriva sólo de la pericia técnica, la minuciosa artesanía, que en ella se refleja. Anterior a todo eso y como sosteniéndolo y potenciándolo, hay una actitud, una ética, una manera de asumir la vocación en función de un ideal, sin las cuales es imposible que un creador llegue a romper los límites de una tradición y los extienda, como hizo Seurat. Esa manera de `elegirse artista' parece haberse perdido para siempre entre los jóvenes impacientes y cínicos de hoy que aspiran a tocar la gloria a como dé lugar, aunque sea empinándose en una montaña de mierda paquidérmica.

Asistimos a...

Delarrarte se renueva

Ahora en Delarrarte podrás ver ¿Quienes somos? y ¿Qué hacemos? así como continuar leyendo nuestras noticias de Arte y animarte a coolaborar con nosotros enviandonos tu noticia.

Esperamos que os guste el nuevo aspecto del blog.

Yo creo...Jornadas de debate sobre cultura joven en Logroño

Pinche en la imagen para ampliarla

La Habana atrapa, seduce e inspira a 491 años de su fundación

Fuente: http://www.cubadebate.cu/noticias/2010/11/16/la-habana-atrapa-seduce-e-inspira-a-491-de-su-fundacion-video/

Video...

GRUPO G.P.T. PREMIO DE ANIMACION Y MEJOR VIDEO CLIP DE ROCK N ROLL, La Habana, Año 2006

Noticias de Artefacto 2010

    Asistimos este fin de semana al Museo del Arte de ARTEFACTO 2010  que tuvo lugar en el edificio de la Gota de Leche.Allí pudimos disfrutar del arte más joven durante una visita de aproximadamente 25 minutos. 

"Nos dimos cuenta al pasar por la calle portales y escuchar la música de que algo sucedía en la Gota y decidimos entrar a echar un vistazo, fue una sorpresa encontrar un festival de arte de tal magnitud"

- comentaba una espectadora- tras salir del museo y reincorporarse al magnifico espectáculo de Danza de la compañía Conchi Mateo.

Dentro del Museo a más de una persona se nos movieron un poquitín las caderas al ritmo de la danza del vientre, quedamos impresionados ante los Cuerpos de Luz de Paz Salazar y las pinturas de Alejandro Justiz, interactuamos con los alumnos de teatro que daban besos, cantos, pequeñas obras, juegos y abrazos gratis, escuchamos la música de los alumnos de saxo, guitarra y piano, compramos alguna camiseta de penguinwear. Increíble además al descubrir los cuadros de Bio Code de Sergio Cid que nos enlazaban a la obra a través del móvil, las fotos de Ivana Larrosa montadas en video por la documentalista Ruth Somalo, el video de Ignacio Lobera y sus originales flyers con forma de ticket de metro y del happening de la Asosiación Yeamman y sus fotos pertenecientes a la colección Miradas...salimos dispuestos a escribir para no dejar de agradecer porque existen eventos como este que potencian el arte de los jovenes...
Y la prueba de que el Museo existío....Son estas fotos:

ArteFacto 2010 presenta hasta el 30 de noviembre en torno a medio centenar de actividades de arte, cine, teatro o música

Foto: AYUNTAMIENTO DE LOGROÑO

LOGROÑO, 2 Nov. (EUROPA PRESS) -
   La iniciativa cultural del Ayuntamiento de Logroño ArteFacto presentará en su edición número once alrededor de medio centenar de actividades de arte, cine, teatro o música, entre otras.
   La concejala de Juventud, Beatriz Arráiz, ha presentado la programación del festival, que se desarrollará desde este miércoles hasta el día 30 de noviembre.
   Arráiz ha explicado que, en este caso, ArteFacto se desarrolla bajo el lema 'Sin', "porque, como han venido a decir los artistas que participan, en la situación actual, estamos casi sin nada, sin dinero, pero con mucha imaginación".
   Finalmente, según ha destacado la edil, "se cuenta con el dinero", a lo que se ha sumado una aportación especial, por primera vez, del Instituto de la Juventud de España (Injuve), que patrocina el festival con 12.000 euros.
   ArteFacto 2010 echa a andar mañana, con una gala de inauguración que comenzará a las 20 horas en La Gota de Leche, con una muestra de danza, titulada 'Sin nada pero con todo', y con un aperitivo que elaborará la Asociación Animanaturalis, que, bajo el lema 'Sin carne', ofrecerá "un original lunch 100% vegetariano".
   Esta apertura dará paso, a lo largo de todo el mes, a diversas manifestaciones culturales "para dar salida a las inquietudes y a todas las formas de expresarse, porque no hay nada establecido, se trata de darles un marco adecuado para que se expresen como prefieran".
   Así, en cuanto a las exposiciones, nueve en total, ha destacado 'Sinsentido', a cargo de los alumnos de 1º de Bachillerato Artístico del IES Batalla de Clavijo, "una muestra de fotografías sin complejos", o la de 'Fotografías estenopeicas', de Kelly Ann McCown, "realizadas con una máquina de fotos construida con una caja de cerillas y poco más".
   En teatro, se podrá ver 'Sin telón', una pequeña muestra de teatro a cargo de grupos jóvenes de la ciudad, en la sala Gonzalo de Berceo. Dentro del apartado 'Museo del arte', se podrá ver el trabajo de en torno a un centenar de artistas y jóvenes creadores logroñeses, en La Gota de Leche y sus alrededores.
   La literatura estará representada por la presentación de cuatro libros y dos fanzines. También se incluyen en el programa visitas culturales y guiadas al Museo Würth. Y, en audiovisuales, se ofrecerá el ciclo 'Cine sin discriminación', presentado por los colectivos Gylda, Anti-Sida y Amiras.
   En este sentido, la muestra 'Sin luz' ofrecerá audiovisuales realizados por jóvenes creadores logroñeses, más una sesión de música y vídeos a petición del público. En música, actuarán en el Biribay Jazz Club 'Pauline en la playa' y 'Raper.com'.
   Igualmente, se han programado cursos de 3D, clown y escenografía, además de otras actividades como el campeonato de skate de Logroño; la performance en el Ateneo Riojano 'Fusionarte', con cinco artistas; el encuentro de asociaciones juveniles 'Sin parar'; 'Yo creo ArteFacto', un encuentro de artistas.
   Por último, se contará con los tradicionales concursos de poesía, fotografía e ilustración, y, para finalizar la programación, una fiesta que, bajo la denominación de 'ArteFacto sin fin', se presenta como 'sin preparar', y que se celebrará el 30 de noviembre, a partir de las 20 horas, en La Gota de Leche.

La web de la semana...

Recomendamos esta vez dar un paseo por el blog de la artista Cecilia Zamudio

http://www.arte-cecilia.blogspot.com/

Cuentos Silenciosos

Pop-up con una escena clave de los cuentos tradicionales infantiles: Alicia en el País de las Maravillas, Pinocho, Peter Pan, Barbazul, La Bella Durmiente del Bosque, Caperucita Roja y Pulgarcita. En uno de los pop-ups aparece como guiño Naoko, la protagonista del libro Los amantes mariposa, escrito e ilustrado por el mismo Benjamin Lacombe
Il etait une fois - Benjamin Lacombe from B&C on Vimeo.

Arte cubano en pleno centro de La Habana

Agradecemos a Susana Delhante por la información y el video.

Titulo: Foundry

Año: 2009

Tipo de obra: Video instalación

Presentada en el Pabellon Cuba en la exposicion colectiva curada por el artista plastico y curador Rewell Altunaga.

Titulo de la exposición: EL EXTREMO DE LA BALA, una decada de arte cubano.

Del 16 de Octubre al 20 de Noviembre del 2010.

Susana Pérez y Carmen Sara Floriano se unen en el cuento 'Como Agua' sobre el llanto

La pintora e ilustradora Susana Pérez Barrera y la escritora Carmen Sara Floriano han unido sus talentos en su libro 'Como agua', un cuento para explicar "a niños y no tan niños por qué a veces nos invade el llanto, a dónde van todas las lágrimas del mundo o por qué son saladas".
   Según una nota de la Fundación Caja Rural del Sur, la historia de 'Como Agua' es contada a través de las lágrimas de la protagonista de este "delicioso" libro, que fue presentado por primera vez a la sociedad onubense durante el IV Salón del Libro Iberoamericano de Huelva el pasado 5 de octubre, en el marco del Otoño Cultural Iberoamericano (Ocib) 2010.
   Más tarde, las autoras prepararon una presentación dirigida a su principal público que tuvo lugar en el salón de actos de la Fundación Caja Rural del Sur el pasado 14 de octubre, y que contó con la escenificación del cuento, con música en directo y un decorado lleno de encanto.
   En ambas ocasiones, el director de la Fundación Caja Rural del Sur, Jaime de Vicente, ha elogiado la creatividad y la imaginación de las coautoras, especialmente a Susana Pérez, que en alguna ocasión ha expuesto su obra pictórica en la galería de la entidad, señalando que es ya "la mejor ilustradora de Andalucía y de las primeras de España".
   "La obra 'Como Agua' es un viaje apasionante a través de las lágrimas de una niña, que nos llevan a situarnos en el principio de todo, un fuego que quema en las entrañas, para acabar sumergidos en las profundidades de los mares y océanos, formados por el llanto de todas las personas de todos los lugares: lágrimas de alegría y de tristeza, de risas y de rabia, inocentes o culpables, ancianas o adolescentes", han explicado las autoras.
   Según Carmen Sara Floriano, 'Como Agua' nos invitará a adentrarnos en las propias emociones y a reconocernos en ellas como seres humanos, iguales unos a otros, fundidos en una misma realidad.  "Este es uno de los mensajes más claros del libro: todos hemos llorado alguna vez, aunque sea cuando nacimos y nos dieron esa primera torta en el culo; todos somos iguales", ha aseverado.
   El libro, que cuenta con 40 páginas "repletas de frases ingeniosas y dibujos cautivadores", ha sido editado en castellano y catalán por la editorial Sleepyslaps.

Enlace: http://www.europapress.es/andalucia/cultura-00621/noticia-susana-perez-carmen-sara-floriano-unen-cuento-agua-llanto-20101018170959.html

Entrevista...

Publicado en El mundo

Adrián Melis: 'el sindicalista'

Romina Ruiz-Goiriena | La Habana

Para muchos el 'marcar la tarjeta' para cronometrar su hora de llegada y de salida a un empleo no va mas allá de ese simple hecho. Para el artista Adrián Melis, todos los centros laborales presentan una oportunidad. Dentro del mundo del arte contemporáneo los centros de trabajo son una especie hornacina para elaborar obras que abarcan una temática contundente para muchos 'proletarios de a pie'.
"Las motivaciones principales de mi obra van dirigidas a la falta de interés de las personas hacia el trabajo como fuente de ganancias. La perdida de juicios éticos es algo de lo que formo parte diariamente en mi contexto. Aprovecharse de algo o alguien para beneficio propio, ser cómplice de una red en la que al final quedas fuera de peligro, son prácticas sociales de las que me valgo para construir una metáfora", explica Melis a ELMUNDO.es
La mayoría de las obras se presentan en un formato audiovisual. Principalmente son documentales de la serie de acciones 'performance' que realiza Melis en centros de trabajo como lo son carpinterías, almacenes y constructoras.
Según él, estas prácticas tienden a surgir en algunos casos del "oportunismo institucional administrativo", en otros, de la "no identificación o perdida de sentido de pertenencia hacia una estructura utópica proveniente de un sistema como el socialismo", dice Melis.

El arte hecho paradoja

En 'Vigilancia', el artista utilizó su amistad con un guardia de la carpintería para robar madera. Después uso la madera para construir una posta de vigilancia en el mismo centro de la carpintería para crear de esa forma lo que Melis describe como "un gesto paradójicamente útil". Esta obra formó parte del proyecto "Bueno, Bonito y Barato" y gano el premio de curaduría otorgado por la Agencia Española de Cooperación Internacional de la embajada española en Cuba.
Su arte también sirve para ridiculizar la relación entre un trabajador y su empleador. Una de sus series más recientes 'El valor de la ausencia', Melis se dedica a grabar telefónicamente los pretextos que los trabajadores den a su centro laboral por ausentarse. El artista remunera al trabajador por el derecho a la grabación de cada pretexto equivalente al descuento de salario que corresponden a los días ausentes una vez concluido el tiempo de ausencia.
Cuenta que le interesan las "contradicciones que genera ese tipo de actitudes en los mismo trabajadores". Explica Melis que en este tipo de relaciones "se genera una especie de desinterés hacia su mismo trabajo a punto de permitir de que cualquiera haga con eso lo que quiera".
Pero además de un posible desencanto con la realidad, sus obras también sirven para resaltar la falta de productividad que pueden tener un sector de trabajo bajo una crisis económica.
Producto de una ausencia de materiales para producir en una establecimiento estatal los trabajadores invierten su jornada laboral sentados esperando que concluya el día. En 'Elaboración de cuarenta piezas rectangulares para la construcción de un piso', el joven Melis dirige un vídeo donde genera una nueva forma de movimiento y le da vida a la fábrica.
¿Cómo? Cada uno de los trabajadores estuvo imitando los ruidos que se escuchan durante una jornada laboral de 8 horas a las 17 horas para registrar un aparente funcionamiento de la empresa: mezcladora de cemento, palas, camiones y carretillas.

Opus de las masas

Todo su trabajo tiene como fin una acción que relata las contradicciones eminentes de un mercado centralizado. De su intención artística explica Adrián Melis que "así actúo directamente sobre las necesidades del individuo en contraposición a su medio laboral, incitándolo a revelar informaciones verdades en relación con su mundo de inconformidades".
Agrega que esa tensión es la fuente proveniente de su trabajo, "desde ese lado del conflicto es que yo efectúo mis operaciones", resalta Melis.

La web de la semana...

No dejes de visitar el blog de la artista Marta Beceiro, es, sin duda, un rincon lleno de ilustración y fantasía maravilloso: http://martabeceiro.blogspot.com/

Sexiclown
encuentro sobre la sexualidad
desde la vivencia del clown

26, 27 Y 28 DE NOVIEMBRE DE 2010
DINAMICA TEATRAL - LOGROÑO
CURSO DE CLOWN-TEATRO de 16 horas de duración

Destinado a personas a partir de los 18 años
El clown se encuentra con el sexo continuamente. Cómo se viste, cómo se mueve, su voz, su
mirada, sus relaciones…A veces el clown se sorprende por estos encuentros imprevistos. El curso
pretende sumergirse en el escenario de los sexos para jugar con ellos.
Abierto a tod@s, no hace falta tener experiencia previa en clown. La progresión del curso y su
pedagogía permiten combinar el trabajo personal con la vida y desarrollo del grupo.
ANIMACION:
Ramon Albistur (clown teatro) de UHARTEAN - Mugabeclown
Idoya Aragón (sexóloga) de MENTE ABIERTA
CONTENIDOS:
El curso abordará dos vías importantes de trabajo:
IDENTIDAD SEXUAL DEL CLOWN
Ahondando en los espacios poéticos personales,
desnudaremos la identidad de cada clown. La
relación masculino/femenino ayudará a cada clown
a ser original y diferente. Abordar un trabajo sobre
la identidad de uno mismo, siendo el otro un reflejo
de sí, u otra (forma de) identidad con la que me
encuentro fuera de mí. El todo es caminar hacia la
esencia del ser, tomando conciencia de las
construcciones culturales, familiares, sociales… y
de nuestra presencia (sexual) en una realidad
plural, diversa, compleja…
ENCUENTRO, SEDUCCIÓN, RELACIÓN…
Trabajo sobre la dimensión social de las relaciones sexuales. Cómo se muestran, se
descubren, se acompañan... los clowns en el encuentro, cómo viven las normas y tabúes
sociales entorno a lo masculino-femenino, las cuestionan, transformándolas tal vez…

Invitación exposición

Esta invitación nos la envia nuestra amiga Ilemis Roca desde La Habana, para los que puedan ir una gran suerte que no deben perderse, para los que no ya les pondremos imagenes de la muestra

Premio Nacional de Ilustracion 2010

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Hemos visitado...

Exposición: Románico-Pop

Jesuspiros de Expaña
SALA DE EXPOSICIONES DE LA BIBLIOTECA

Del 15 al 31 de octubre de 2010

Horario:
Lunes a viernes de 18 a 21 horas
Sábados y Domingos de 17 a 20 horas

Crea su estilo, “El Románico-Pop”,  en Zaragoza, tal vez por sus varias visitas a ciudades dentro del territorio argonés como Huesca y Teruel, además, de la ruta jacobea.

Estos dos estilos, el Románico y el Pop-Art usan colores planos y contorneados casi siempre por líneas negras para así realzar más todavía las figuras.

Para entender su trayectoria de “Jesuspiros de Expaña” hay que saber que su carrera artística está muy ligada con el teatro, las artes escénicas y el mundo del espectáculo.  Además de ser un artista plástico, ha formado parte de varias compañías de teatro, grupos de rock y performances.